我印象最深的是山下茜里，她以「蠟染」的染色技法進行創作（利用熱蠟繪製圖案後再染色的技術）

在山下的作品中，幾乎都將人描繪成沒有皮膚的形象。皮膚是區隔身體與外界的物理屏障，她則將之延伸為自我與他人的精神界限——「真正的『赤裸』不正是連皮膚都被剝去的狀態嗎？」透過剝除皮膚，也剝去了種族、性別、年齡等表徵，展現了平時無法直接看見的「內在」，這或許是最為赤裸的自畫像。

同時，「眼睛」也是她的一大特色。並非僅僅是肉塊，而是無數眼睛自血紅之中注視著世界——眼睛作為人體唯一外露的器官，是連接身體內外的窗口，更可能是人類擁有意志的線索。〈湯望光明〉由無數隻染色的眼睛縫合在一起、宛如巨大嬰兒的怪物，它向著光明爬行，宛如人類那永不滿足的好奇心。

宮田彩加的作品同樣令人駐足欣賞，〈MRI SM20110908〉和〈MRI SM20121122〉，前者是頭部的核磁共振影像，後者是腰椎的核磁共振影像，都是宮田本人在身體不適時拍攝的。不僅是物理上不可視的內裏，在身體的負面狀態、衰弱甚至死亡面前，也能以不一樣的視角看待、回應身體乃至生命的不確定性。

上述兩位藝術家其實位於這次展覽的最後一個篇章，然而陰錯陽差之下，我們卻是一開始就走進這個展間，之後再慢慢往回。這次展出不少以刺繡、紡織為創作方式的作品，其中我很喜歡小林万里子的〈無盡的喜悅〉及〈風之使者〉，在大樹懷中展開的森林，以及重生的鳳凰，都是相當巨大的作品，因長期在戶外展出而劣化、褪色。不過後來比起修復，而多的是透過新增的內容，讓作品猶如她的創作主題一般：生命在創生與破滅之間流動，因而生生不息。

最後則是陶瓷藝術以及朋友們都很喜歡的〈植物的記憶〉，佐佐木類將自己收集的植物夾在玻璃板之間進行燒製。在高溫窯爐中燒製後，植物會孌白消失，可矛盾的是，存在被抹去後的空白，反而使它們過去的存在更加鮮明——當水、空氣以及植物吸收的礦物質等不可見的元素開始發揮作用，伴隨氣泡、爆炸或顏色孌化，融合了各種偶然，將植物曾經生存的時間與觀者的現在連結起來。

佐佐木在結束漫長的異國留學生活回到日本後，經歷了一段無法感受到懷舊感的時期。那時，她開始收集植物，重新審視周遭的環境，作為一種自我療癒。這些「記憶的容器」承載著她生活所在的記憶，儘管這是佐佐木自身的回憶，卻也能與觀者腦內的記憶產生共鳴。在線性的時間觀下，這些容器或許能嘗試創造超越過去與現在、自我與他者的平行縫隙吧。

發現了一間保存得很不錯的，以日式老屋改建的咖啡廳，手指盆栽很讓人印象深刻🤏

適合與三五好友一起度過清閒的下午，通常得事先預約才有位子，必須脫鞋才能入內，裡頭很安靜，音樂也很舒適，不是廉價的水管鋼琴BGM或不分青紅皂白的演歌（好感動）這一帶有許多老房子改建的餐廳，走進巷弄便彷如踏入時間錯落的萬花筒。

比起自己出生的城市，遠遠更喜歡台南，文物保存這方面真的太重要了，比起彰顯城市飛速進展的高樓大廈，那些表面而扁平的虹彩泡泡，這樣樸質的、沾了點灰塵的角落，才更是一座城市的內裏，也是城市與生活其中的人們真正的步調與呼吸。